Spiel des Ablebens

Rieke Süßkow hat sich für so ziemlich das genaue Gegenteil dieser Kleinstlösung entschieden. Und die Inszenierungsidee, die sie stattdessen hatte, ist so naheliegend wie genial: Die Regisseurin – 1990 in Berlin geboren und somit noch nicht einmal halb so alt wie der Autor respektive sein Erzähler-Ich – bezieht das leitmotivische "Großvatertum" des Textes kurzerhand auf ihre eigene Generation. Sie inszeniert das "Zwiegespräch" also nicht als jenen mehrstimmigen Monolog eines alten Mannes über sich und seine Vorfahren, als den man es bei der stillen Lektüre auffasst. Sondern sie macht daraus einen Dialog – zwischen den Eightysomethings der Handke-Generation und deren Enkeltöchtern, mithin eben Süßkows eigener Alterskohorte. "Das war tatsächlich das erste, was mich beim Lesen des Stückes ansprang: dieses Gefühl, da schreibt – auch – ein alter Mann, der Angst hat vor den nachkommenden Generationen", erzählt Rieke Süßkow, die sich in Vorbereitung ihrer Uraufführung intensiv mit der Biografie des Autors auseinandergesetzt hat, im Gespräch. Gereizt habe sie vor allem Handkes doppelte Perspektive: "Er ist ja selbst jemand, der als junger Mensch die Gesellschaft angeklagt und dessen Generation eine RAF hervorgebracht hat. Diese Ambivalenz, einerseits – auch im Text – die Schuld der eigenen Großväter zu befragen und andererseits selbst aus der Großvater-Perspektive auf die Welt zu schauen, hat mich interessiert", sagt die Regisseurin. "Wir stecken ja jetzt wieder in einer Situation, in der eine Generation konkret angeklagt wird – und man sich fragt, ob es überhaupt möglich ist, dieser Schuld zu entgehen. Oder ob wir, also meine Generation, später auch von unseren Enkelkindern angeklagt werden."

Mit ihrer grandiosen Inszenierungsidee bekommt Rieke Süßkow tatsächlich auf einen einzigen – und noch dazu extrem beiläufigen – Schlag sämtliche gesellschaftlichen Großkonfliktlinien in den Blick, an denen sich die Gemüter unserer Tage erhitzen: "jung" versus "alt", "Frau" versus "Mann", "progressiv" versus "konservativ", "Feminismus" versus "Machismo". Dafür allerdings, es sich ungebührlich einfach zu machen und diese beidseitigen Zuschreibungen einfach pauschal zu bestätigen, interessiert sich die Regisseurin erfreulicherweise nicht. "Die Handke-Generation der alten weißen Männer ist ja so ein Feindbild, das ich manchmal als sehr schwarzweiß empfinde", sagt sie. Bei aller zweifelsfreien Unabdingbarkeit von Erneuerung – inhaltlich wie personell – fehle ihr mitunter die Reflexion über Aspekte, die möglicherweise nicht komplett uninteressant waren am Alten – und die "Großzügigkeit, Menschen auch als Produkte ihrer Zeit zu begreifen, ohne damit irgendetwas entschuldigen zu wollen".

Auf der Bühne schafft Rieke Süßkow eine entsprechende Komplexität, indem sie mit den Stereotypen und Zuschreibungen spielt. Die unmittelbare Theater-Situation – kaum über dreißigjährige Nachwuchsregisseurin inszeniert 80-jährigen Literaturnobelpreisträger, und dies an keinem geringeren Ort als dem (mindestens qua Selbstwahrnehmung) Bühnenolymp par excellence, dem Wiener Burgtheater – schwingt die ganze Zeit über beiläufig mit.

Dass in solchen Momenten eher die Cineastin im Theatersessel getriggert wird als die Bühnenzuschauerin, ist nicht unbegründet. "Ich war von Filmwissenschaft immer inspirierter als von Theaterwissenschaft", erzählt Rieke Süßkow, die in den zehner Jahren in Wien beides studiert hat. Intensiv habe sie sich zum Beispiel mit Fassbinder auseinandergesetzt: "Seine Art, völlig verschiedene Genres zu mixen, dabei mit nichts knauserig zu sein und immer wieder neu die eigene Sprache zu entwickeln, obwohl er nur so kurz gelebt hat, hat mich extrem fasziniert", erklärt sie. Oder Alexander Kluge – "der sagt: Ein roter Faden muss irgendwo durchgeschnitten werden, damit der Zuschauer zum Koautor werden kann." Überhaupt, die Frankfurter Schule – "also Filme, die versuchen, über Schnitt, Collage und Montage Gedanken und Räume aufzumachen, die also bewusst die Lücke thematisieren, die durch den Schnitt entsteht." Da könne das Theater, findet die Regisseurin, sich manchmal ruhig noch ein bisschen mehr trauen.

Starke Setzungen – im konzeptionellen gleichermaßen wie im visuellen Sinne – sind seit jeher Rieke Süßkows Markenzeichen. Schon 2019 in ihrer Diplomarbeit an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg versetzte sie die antike Medea, die bei ihr aussah wie Jackie Kennedy und eine Frau darstellte, die im Grunde nur noch von einem Oberflächen-Korsett des amerikanischen Traums zusammengehalten wurde, in einen durchsichtigen Edelwohnkasten – in dem den ganzen Abend über kein einziges Wort fiel. Stattdessen schaute man der Familie Medea-Kennedy von außen, durch Scheiben aus transparentem Gazestoff, bei ihren Alltagsroutinen zu: Zeitungslektüre, Abendessen, Hausaufgabenerledigung, sexuelle Verrenkungsgymnastik im Ohrensessel. Die Konsequenz, mit der Süßkow in dieser Produktion tatsächlich Sprachlosigkeit inszenierte (und nicht etwa ein populäres Missverständnis von ihr, die beredte Pantomime), hat absoluten Seltenheitswert.

Apropos Ausbildung: Wie kam Rieke Süßkow eigentlich dorthin, wo sie heute steht? Sie entstamme keinem klassischen Theatergängerumfeld, erzählt sie. "Eigentlich bin ich sehr naiv zum Theater gekommen, einfach mit so einer Leidenschaft und Bildern im Kopf." Nach dem Abitur machte sie im Rahmen eines freiwilligen sozialen Dienstes in Schottland zunächst Theater mit Kindern und Jugendlichen, auch mit kognitiv eingeschränkten und gehörlosen, lernte die Gebärdensprache. Erst danach studierte sie Film- und Theaterwissenschaften in Wien und schließlich Regie in Hamburg: Ein Weg, der sie auch ein Stückweit autonom gemacht habe, sagt die Regisseurin, weniger verunsicherbar durch Trends und andere von außen herangetragene Erwartungen. Diese Autonomie kann sie jetzt sicher gut gebrauchen: Die Theater stehen – zu Recht – bei ihr Schlange.